Japannese vergulde bronskroon

Japannese vergulde bronskroon


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Japannese vergulde bronskroon - geskiedenis

BUSSHI 仏 師 OF JAPAN = SCULPTORS OF JAPAN
Wie het die Boeddhabeelde van Japan gemaak?
Beeldhouers, skole en amp -werkswinkels
in die Japannese Boeddhistiese standbeeld
ASUKA ERA, TORI BUSSHI, TORIHA SKOOL

SLEUTELWOORDE
Kuratsukuri-be 鞍 作 部
Kuratsukuri 鞍 作 止 利
Shiba Tatsuto 司 馬達 等
Tori 止 利
Tori Busshi 止 利 仏 師
Tori Skool 止 利 派
Toriha -skool 止 利 派
Tori Shiki 止 利 式
Tori Yoshiki 止 利 様 式

  • Tori Busshi 止 利 仏 師, beroemde bronsbeeldhouer van die tydperk. Busshi is die term vir Boeddhistiese beeldhouer. Sien Woordelys.
  • Toriha 止 利 派 (Tori -skool) werk toegeskryf aan Tori Busshi of sy dissipels.
  • Kuratsukuri no Tori 作 止 利. Na verneem word, was 'n ander naam vir Tori Busshi, want Tori die hoof van 'n groep Chinese vakmanne wat destyds in Japan gewoon het, die Kuratsukuri-be 鞍 作 部 genoem. Volgens die meeste bronne was Tori die kleinseun van 'n Chinese immigrant met die naam Shiba Tatsuto 司 馬達 等 (lees ook Shiba Tatto), wie se stam oorspronklik perdesale gemaak het, 'n kuns wat kennis van metaalgietwerk en ander handwerk vereis. Ander bronne sê Tori kom uit Korea.
  • Tori Yoshiki 止 利 様 式 (Yōshiki, Youshiki). Ook Tori Shiki 止 利 式 geskryf. Die term beteken letterlik “Tori -styl. ” Tori Busshi het die kuns van Japan se vroeë Asuka -periode geïllustreer, en standbeelde uit sy hand of deur sy vakleerlinge word as Tori Yoshiki of Tori Shiki beskryf. Kunswetenskaplikes is dit eens dat beeldhouwerk in die Tori-styl beïnvloed is deur die Boeddhistiese kuns van die noordelike en oostelike Wei-koninkryke van China (laat 4de tot 6de eeu), wat grotendeels na Japan oorgedra is deur Koreane wat op die Koreaanse skiereiland uit die burgeroorlog gevlug het. Die belangrikste stilistiese elemente van die beeldhouwerk uit die Asuka-periode sluit in 'n duidelike frontaliteit (sonder omgee vir die sye of die agterkant van die beelde), sekelvormige lippe wat opwaarts gedraai word, amandelvormige oë en simmetries gerangskikte voue in die gewade. Die Tori -styl is sterk beïnvloed deur hierdie artistieke elemente wat Japan binnegekom het saam met die immigrante uit die Paekche (Jp. = Kudara 百 済) en Silla (Jp. = Shinra of Shiragi 新 羅). Nietemin kommunikeer Tori's werk sagtheid en innerlike vrede ondanks die voorraad, geometriese styfheid en ietwat langwerpige gesigs- en liggaamskenmerke wat hierdie tydperk gekenmerk het.
  • Opmerking oor Koreaanse invloed. 'N Groot aantal Koreane het in die 6de en 7de eeu na Japan gevlug om aanhoudend te veg tussen die drie Koreaanse koninkryke Silla (Jp. = Shiragi 新 羅), Paekje / Paekche (Jp. = Kudara 百 済) en Koguryo / Goguryeo (Jp. =). Kōkuri 高句麗). Hierdie immigrante het talle Boeddhistiese beelde en tekste gebring en speel 'n groot rol as Boeddhistiese akademici, onderwysers, beeldhouers, ambagsmanne en argitekte. Baie van die vroegste tempelstrukture in Japan is byvoorbeeld deur Koreaanse vakmanne gemaak. Klik hier vir meer inligting oor Koreaanse invloed.

BUITENDE WERK VAN DIE TORI SKOOL

  • Koreaanse invloed. Met uitsondering van die Tori-stylbeelde van die tydperk, is ander belangrike stukke die Bodhisattva wat halfgesit is in meditasie & quot (Bosatsu Hankazō 菩薩 半 跏 像) by Chūguji-tempel 中 宮 寺, wat deel was van die Horyu-ji-tempel 法 隆 寺 (Hōryūji) in Nara. Standbeelde van veral Miroku Bosatsu was wydverspreid gedurende die Asuka -tydperk, en baie is weergegee uit Koreaanse modelle. Sien die Asuka-Era Art Photo Tour Page vir meer inligting oor die invloed van Korea.


Miroku Bosatsu - Twee aansigte van dieselfde standbeeld
7de eeu nC, hout, 87 cm hoog
Chūgūji -tempel 中 宮 寺 (Chuguji) in Nara

    Kudara Kannon 百 済 観 音. Die meeste geleerdes glo dat hierdie beroemde beeld uit Korea kom of gemaak is deur Koreaanse ambagsmanne wat in Japan woon. Die naam van die standbeeld - Kudara Kannon 百 済 観 音 - beteken letterlik "Paekche Kannon." Paekche (Paekje 百 済) was gedurende hierdie tydperk een van drie koninkryke in Korea, en Kannon is een van die mees geliefde Boeddhistiese gode in Asië. Die uiterste dunheid van die standbeeld lyk aanvanklik bisar, maar die rustigheid in die gesig en die pragtige oop brons in die kroon is wonderlik. Die vaas simboliseer die “nectar ” van Kannon se deernis - dit laat die dors van diegene wat tot Kannon om hulp bid, stil. Daar is baie aanduidings dat die standbeeld uit Korea kom (of deur Koreaanse ambagsmanne in Japan gemaak is). Die voortreflike afwerking van die stuk, plus baie van die stilistiese nuanses (flou glimlag, skraal gesig, dun lyf, vou in kledingstuk, halo) is almal kenmerke van Paekche -ambagsmanne en stem in die algemeen ooreen met kunswerke uit Korea's Three Kingdom Period. In die boek Koreaanse impak op die Japannese kultuur (Korea: Hollym International Corp., 1984), skrywers Jon Carter Covell en Alan Covell sê die voorste idee van Paekche-invloed is die kroonpatroon van kamperfoelie-lotus, wat ook te vinde is onder die artefakte wat in die graf van Paekche ontdek is 39's Koning Munyong (regeer +501-523). Die wikkel van die wingerdstokke, sê hulle, plus die aantal uitsteeksels van die kroonblare, is byna identies aan soortgelyke bestaande Koreaanse stukke.

    Timmermanne in die Asuka -tydperk
    Teks hieronder met vergunning TIME MAGAZINE, 16 Februarie 2004
    Van die 202 Boeddhistiese heiligdomme in die Tennoji -omgewing in Osaka, is daar een wat opval: Shitennoji 四 天王寺 (Shitennōji), die eerste Japanse tempel in opdrag van 'n koninklike (Prince Shotoku) en een van die oudste Boeddhistiese komplekse in Japan. Die bouwerk het begin in + 593, slegs dekades nadat die godsdiens die oewers van die land bereik het. Een van die timmermanne vir Shitennoji, Shigemitsu Kongo, het vir die projek na die Koreaanse koninkryk Paekche (Jp. = Kudara 百 済) na Japan gereis. Meer as 'n anderhalf millennium is Shitennoji deur tifone omvergewerp en deur weerlig en burgeroorlog tot op die grond afgebrand-en Shigemitsu se afstammelinge het toesig gehou oor die sewe rekonstruksies daarvan. Kongo Gumi Co word tans bestuur uit die kantore wat uitkyk op die tempel, deur die 54-jarige president Masakazu Kongo, die 40ste Kongo wat die onderneming in Japan lei. Sy onderneming, wat meer as 1 410 jaar gelede begin is, word beskou as die oudste onderneming wat deur 'n gesin in die wêreld bestuur word. & haal kwotasie uit Time Magazine & gt

  • JAANUS.Japannese argitektuur en kunsstelsel vir gebruikers. Aanlyn databasis gewy aan die Japannese kunsgeskiedenis. Dit is saamgestel deur wyle dr. Mary Neighbor Parent, en dek beide Boeddhistiese en Shintō -gode in detail en bevat meer as 8,000 inskrywings.
  • Dr Gabi Greve.Sien haar bladsy oor Japanese Busshi. Gabi-san het die meeste navorsing en skryfwerk vir die Edo-periode deur die moderne era gedoen. Sy is 'n gereelde webwerfbydraer en hou talle insiggewende webwerwe oor onderwerpe van Haiku tot Daruma. Baie dankie Gabi-san.
    Heibonsha, beeldhouwerk van die Kamakura -tydperk. Deur Hisashi Mori, van die Heibonsha Survey of Japanese Art. Gesamentlik uitgegee deur Heibonsha (Tokyo) en John Weatherhill Inc. 'n Boek wat my na aan die hart lê, bestee baie tyd aan die kunstenaars wat die beeldhoukundige skatte van die Kamakura -era geskep het, waaronder Unkei, Tankei, Kokei, Kaikei en vele meer. Sterk aanbeveel. 1ste uitgawe 1974. ISBN 0-8348-1017-4. Koop by Amazon.

JAPANSE WEBSITE

Kopiereg 1995 - 2012. Mark Schumacher. E -posmerk.
Alle verhale en foto's, tensy anders vermeld, deur Schumacher.
www.onmarkproductions.com | 'n skenking maak

Moet asseblief nie hierdie bladsye of foto's na Wikipedia of elders kopieer sonder die regte aanhaling nie!


Lord Ganesha is Kangiten in Japan

Ganesha of Kangi-ten (歓 喜 天) is 'n god in Shingon & Tendai-skole van Japannese Boeddhisme. Legendes agter Soshin Kangi-ten (Male & Female embraced form), Evil Vinayaka, Saraswati (Benzaiten), Bishamonten (Kubera) ens.
Hy is die Japannese Boeddhistiese vorm van Ganesh en word soms ook geïdentifiseer met die bodhisattva Avalokiteshvara (een wat luister na gehuil van lewende wesens wat hulp nodig het).
Kangiten staan ​​ook bekend as Kanki-ten (tien beteken God of Deva), Shō-ten (聖 天, ‘heilige god‘ of ‘edele god ’), Daishō-ten (‘groot edele god‘), Daishō Kangi-ten (大聖 歓 喜 天), Tenson (天尊, ‘eerbiedwaardige god‘), Kangi Jizai-ten (歓 喜 自在 天), Shōden-sama, Vinayaka-ten of Binayaka-ten (毘 那夜 迦 天), Ganapatei (誐 那 缽 底) en Zōbi-ten (象鼻 天) .
Daar word gesê dat Ganesha of Vinayaka altyd in is Turiya (तुरीय) Sthiti, wat die 4de en salige gemoedstoestand is.
Die ander 3 toestande is bewusmaking, droom en droomlose slaap, wat gewoonlik algemene bewussynstoestande is en Turiya hierdie drie toestande te bowe gaan.
Dit stem ooreen met die Kangiten -wese God van Bliss.
Ook bekend as Gaṇabachi of Gaṇapati (Ganapati is 'n gewilde bynaam van Ganesha) en Gaṇwha (Ganesha). Net soos Ganesha, is Bināyaka die verwydering van struikelblokke, maar as dit versamel word, skenk hy materiële fortuine, voorspoed, sukses en gesondheid.

Geskiedenis van Kangiten in Japan

Kangiten het in die agtste-negende eeu nC eers verskyn as 'n minderjarige god in die Japannese Boeddhistiese panteon, moontlik onder die invloed van Kukai (774–835), die stigter van Shingon Boeddhisme. Die Hindoe -Ganesha -ikoon het na China gereis, waar dit in die Boeddhisme geïnkorporeer is, en daarna verder na Japan gereis.
Kangiten se vroeë rol in Shingon is, soos die meeste ander Hindoe -gode wat in Boeddhisme geassimileer is, 'n minderjarige voog van die tweelingmandalas. Later het Kangiten na vore getree as 'n besson, 'n onafhanklike godheid. Kangiten verskyn in talle Japannese bessongidse, saamgestel in die Heian -periode (794–1185). Alhoewel dit rituele en ikonografiese vorms bevat, soos die vroeë Chinese tekste, stel dit oorsprongsmites van die godheid bekend om die Boeddhistiese aard van die Hindoe Ganesha te regverdig.
Vroeë beelde wys hom met twee of ses arms. Die skilderye en vergulde bronsbeelde van die Dual Kangiten met eksplisiete seksuele konnotasies het in die laat Heian-periode na vore gekom onder die Tantriese invloed van Tibetaanse Boeddhisme waar sulke seksuele beelde (Yab-Yum) algemeen was. Die seldsame Japannese seksuele ikonografie was vir die openbare oog verborge om te voldoen aan die konfuciaanse etiek.
Kangiten het nou 'n belangrike god in Shingon geword.

Soshin Kangi-ten (Dual Kangiten) met manlike en vroulike vorms saam

Die Dual Kangiten-ikoon genaamd Soshin Kangi-ten (“dual-bodied god of bliss ”) is 'n unieke kenmerk van Shingon Boeddhisme. Dit word ook genoem Soshin Binayaka in Japannees, Kuan-Shi tien in Chinees en Nandikeshvara (Nie Nandi nie) in Sanskrit.
voorgestel as 'n olifantkop manlike en vroulike paar, wat mekaar omhels.
Die geslagte van die paar is nie eksplisiet nie, maar word in die ikonografie aangedui. Die wyfie dra 'n kroon, 'n gelapte monnikjas en 'n rooi oorskot, terwyl die mannetjie 'n swart lap oor sy skouer dra. Hy het 'n lang slurp en slagtande, terwyl sy kortes het. Hy is rooibruin van kleur en sy is wit. Sy rus gewoonlik haar voete op syne, terwyl hy sy kop op haar skouer rus.
Daar is geen konkrete bewyse oor die ontstaan ​​van hierdie manlike+vroulike Kangiten -vorm nie. Dit word die eerste keer aangetref in Chinese tekste wat verband hou met die Chinese Tantriese Boeddhisme, wat op die Boeddha Vairocana en gepropageer deur die drie groot meesters Śubhakarasiṃha, Vajrabodhi, en Amoghavajra. Die Dharanisamuccya deur die monnik in Chinees vertaal Atigupta (Atikuta) in 654 beskryf 'n ritueel om die Dual Kangiten te aanbid dieselfde ritueel is deur Amoghavajra (705–774) in sy rituele teks Daishoten Kangi Soshin Binayaka ho herhaal. Amoghavajra beskryf Soshin Kangiten as 'n deva, wat 'n mens se begeertes en 'n trayaka verleen, die beskermer teen boosheid en rampspoed. Dit beskryf rituele en mantras om die guns van die Dual Kangiten sowel as die ses-gewapende Shoten te verkry. In 'n ander teks van Amoghavajra word Soshin Kangiten a genoem bodhisattva.

Rituele om Kangiten te paai word beskryf om drie materiële dinge te verkry: koningskap, voorspoed en voldoende kos en klere. Die teks skryf veral wyn voor, die “water van saligheid” as 'n offer aan Kangiten.
Śubhakarasiṃha (vroeg in die 8ste eeu) in teks, voor Amoghavajra, maar Atigupta na die datum dateer uit ongeveer. 723-36, stel Kangiten gelyk aan Shiva en assosieer die Hindoe-koning Vinayaka met Avalokiteshvara (Kannon).
Die Dual Kangiten was moontlik ook deur die Hindoe -Tantriese uitbeelding van Ganesha met gemaksinne.

Legende van Evil Vinayaka in Japan

Daar is baie Japannese Boeddhistiese kanonne wat verhale vertel oor die bose aard van Vināyaka. Die Kangisoshinkuyoho sowel as die vroeë Chinese teks van Śubhakarasiṃha beskryf dat koning Vinayaka (Binayaka) die seun was van Uma (hi) (Parvati, moeder van Ganesha) en Maheswara (Siva), die vader van Ganesha. Uma produseer 1500 kinders aan haar weerskante van haar linkerkant 'n leër bose Vinayakas, onder leiding van Vinayaka (Binayaka) en van haar regter, welwillende deugsame gashere onder leiding van die manifestasie van Avalokiteshvara - Senanayaka (Lord of the army [of gods], geïdentifiseer) met die Hindoe -oorlogsgod Skanda, die broer van Ganesha), die antitese van Vinayaka. Senanayaka sou baie geboortes neem as die ouer broer (soos in die Hindoe -tradisie) of vrou van Vinyanaka om hom te verslaan. Dan sê die teks van Śubhakarasiṃha dat Senanayaka as vrou Vinayaka omhels wat lei tot die ikoon van die Dual Kangiten. In die Japannese panteon word Kangiten beskou as die broer van Ida-ten, geïdentifiseer met Skanda.

'N Ander legende vertel dat die koning van Marakeira slegs beesvleis en radyse geëet het. Toe dit skaars word, begin hy smul aan menslike lyke en uiteindelik lewende wesens, en verander in die groot demoon-koning Vinayaka, wat 'n leër van vinayakas beveel het. Die mense bid tot die Avalokiteshvara, wat die vorm van 'n vroulike vinayaka aanneem en Vinayaka verlei en hom met vreugde vervul (kangi). So het hy in samewerking met haar die Dual Kangiten geword.

Die Kukozensho vertel dat Zaijizai, maats van Maheshvara, 'n seun gehad het met die naam Shoten, wat uit die hemel verban is weens sy bose en gewelddadige aard. 'N Pragtige godin met die naam Gundari (Kundali), het die vorm aanneem van 'n vreeslike demoon en trou met Shoten, wat hom op goeie maniere lei. 'N Ander verhaal vertel dat Kangiten die bose dogter van Mahaeshvara was, uit die hemel verdryf. Sy het toevlug geneem by Mount Binayaka en is getroud met 'n mede-Binayaka, wat die Dual Kangiten-ikoon tot gevolg gehad het.
Japannese variante van die legende van die Dual Kangiten beklemtoon dat die vereniging van Vinayaka (die mannetjie) en Vainayaki (die wyfie) 'n bose hinderniskepper in 'n gereformeerde individu verander.
Die idee agter hierdie verhaal dui op die verhouding tussen Ganesha en Kundali (die yogiese krag in ons liggaam).
Hierdie Kundali of Kundalini woon as stille energie by ons Mooladhara Chakra (aan die onderkant van die ruggraat, onder die coccyx) in die vorm van 'n olifant wat sy slurp gevou het terwyl hy slaap.
Dit is waarom Ganesh (die simboliese God) met sy Moola Mantra oorweeg word om Kundalini by Mooladhara wakker te maak.

Kangiten aanbid saam met ander gode in Japan

Kangiten word beskou as toegerus met groot krag. Kangiten word beskou as die beskermer van tempels en word algemeen aanbid deur dobbelaars, akteurs, geishas en mense in die besigheid van “plesier“. Mantras word gereeld in rituele tekste voorgeskryf om die godheid te paai en selfs om hierdie hindernismaker te verdryf. Ryswyn (sake), radyse en “bliss-buns ” (kangi-dan) word aan die god aangebied.
Hōzan-ji op die top van die berg Ikoma is sy belangrikste en aktiefste tempel. Alhoewel die tempel in die sesde eeu gestig is, kom dit in die 17de eeu in die kollig toe die monnik Tankai (1629–1716) die tempel van Gohonzon, 'n Heian-periode, vergulde bronsbeeld van die Dual gemaak het Kangiten, die middelpunt van aantrekkingskrag. In die Genroku-era (1688–1704) het handelaars in Osaka, veral groente-olieverkopers, by die kultus van Kangiten aangesluit en hul sukses toegeskryf aan sy aanbidding.

Daishō-in of Daisyō-in (大聖 院?) Is 'n historiese Japannese tempelkompleks, waar ons Benzaiten (Saraswati), Kangiten (Ganapathi) en Bishamonten (毘 沙門 天, Vaiśravaṇa of Kubera) saam kan vind.


Japannese vergulde bronskroon - geskiedenis

Lorenzo Ghiberti (Italiaans, 1378 en ndash1455). Jacob en Esau -paneel, van Gates of Parardise, 1425 & ndash52. Vergulde brons. Versameling van die Museo dell'Opera del Duomo. Beeld met vergunning Opificio delle Pietre Dure, Florence.


INLEIDING
Na meer as 25 jaar, die bewaring van Lorenzo Ghiberti's Hekke van die Paradys is naby voltooiing. Die uitstalling The "Gates of Paradise": Lorenzo Ghiberti se Renaissance -meesterstuk bied 'n ongekende geleentheid om drie van die beroemde bronsdeure se beroemde reliëfsreliëfs van Ou -Testamentiese onderwerpe te sien, asook vier ekstra gedeeltes van die deurkosyne, voordat hulle permanent in die Museo dell'Opera del Duomo, Florence, geïnstalleer word. Dit onthul ook belangrike nuwe bevindings wat tydens die herstel daarvan gemaak is, insluitend insigte in die vervaardigingsproses en die evolusie van Ghiberti se beeldspraak en tegnieke.

Geskep in die middel van die 15de eeu en geïnstalleer in die oostelike portaal van die doopkapel, die Hekke van die Paradys is deur geslagte kunstenaars en kunshistorici geprys vir hul oortuigende uitbeelding van tonele uit die Ou Testament. Met verloop van tyd het die sewentien voet hoë, drie ton bronsdeure 'n ikoon geword van Renaissance-kuns en 'n toetssteen van die burgerlike en godsdienstige lewe in Florence. Hierdie uitstalling vertoon drie panele van die linkerdeur van die Hekke van die Paradys, wat die verhale van Adam en Eva, Jakob en Esau en Dawid en Goliat uitbeeld. Die uitstalling bevat ook figure en hoofde van profete uit die raam, en dit ondersoek die ontwikkelende aard van kuns in Florence en Siena tydens Ghiberti se loopbaan met werke uit die permanente versameling van die Art Institute.


Terug na bo


DIE Hekke VAN PARADYS PANEELS - INHOUD EN STYL
In 1425 het Lorenzo Ghiberti die opdrag gekry om 'n tweede paar bronsdeure vir die doopkapel van Florence te ontwerp. Hy werk 27 jaar lank aan die taak en maak 'n meesterstuk wat Michelangelo noem "werklik waardig om die poorte van die paradys te wees" vanweë sy merkwaardige skoonheid en grootsheid. Die panele bied kykers 'n samehangende visie van Ghiberti se artistieke genie en sy innoverende gebruik van perspektief. Oorspronklik die Hekke van die Paradys sou 28 figuurpanele hê, soos in die vorige stelle Baptistery -deure, maar hierdie plan is afgeskaal tot 10 panele, 'n besluit wat waarskynlik beïnvloed is deur Ghiberti se estetiese oordeel.

Die Adam en Eva paneel dokumenteer Ghiberti se vroegste werk aan die deure en bevat 'n wonderlike voorstelling van naakte figure in 'n landskap wat deur engelagtige leërskare vertrek is. Ghiberti kombineer vier groot episodes uit die verhaal van Adam en Eva in hierdie harmonieuse paneel. Die skepping van Adam, geïllustreer op die voorgrond heel links, toon Adam in 'n toestand van halfbewussyn, wat styg in reaksie op God se lewegewende aanraking. In die middel, soos engele kyk, vorm God Eva uit een van Adam se ribbes. Die versoeking van Adam en Eva deur die slang word op die agtergrond aan die linkerkant getoon, terwyl die regterkant van die paneel die uitstoot van die egpaar uit Eden uitbeeld. Subtiele verskuiwings in die skaal van die figure versterk diskrete episodes in die verhaal van die skepping. Ghiberti het die omvang en mate van projeksie van die engele gemoduleer om die vier tonele visueel te skei.

In die Jacob en Esau -paneel, Gebruik Ghiberti 'n nuwe stelsel van lineêre perspektief om die narratief op te stel. Hy rangskik die episodes van die verhaal rondom 'n verdwynpunt omring deur die sentrale boog van 'n Renaissance -loggia. Hierdie paneel, met sy byna driedimensionele voorgrondfigure, meesterlike gebruik van wetenskaplike perspektief en indrukwekkende argitektuur, toon aan dat die kunstenaar die voortou van Florentynse illusionisme en storievertelling was. In die paneel verkry Jakob die eersgeboortereg van sy ouer broer, Esau, en die seën van hul vader, Isak, en word sodoende die stigter van die Israeliete. Daar word getoon dat Rebekka die tweeling onder die arcade heel links gebaar het. Op die dak regs bo het Ghiberti uitgebeeld hoe sy die profesie van die toekomstige konflik van haar seuns ontvang.

In die sentrale boog verkoop Esau sy regte as eersgeborene aan Jakob, wat sy honger broer 'n bak sop bied in ruil daarvoor. In die voorste middel van die paneel stuur Isak vir Esau jag, en op die regte voorgrond kniel Jakob voor die blinde Isak, wat voel dat hy 'n harige bokvel op die rug van Jakob voel dat hy Esau is en hom per ongeluk die seën gee as gevolg van die oudste seun.

In die David -paneel, Het Ghiberti die jong Dawid se oorwinning oor die reus Goliat geïllustreer. David word op die voorgrond gewys en sny die reus se kop af nadat hy hom met 'n klip neergeslaan het. Bo hierdie episode lei koning Saul - duidelik gemerk en verhewe bo die strydende Israeliete en Filistyne - sy troepe in 'n roete van die vyand. 'N Kloof in die berge daarbuite onthul David en sy volgelinge wat Goliat se kop triomfeer na Jerusalem.

GHIBERTI SE INVLOED
Ghiberti het 'n nuwe benadering tot die menslike figuur en perspektief gevestig in sy tweede stel doopkapeldeure, wat sy artistieke tydgenote baie beïnvloed het. Bartolommeo di Giovanni's Tonele uit die lewe van Johannes die Doper uit die permanente versameling van die Art Institute toon die langdurige impak van die verhaalstyl van Ghiberti, soos gesien in die Jacob en Esau -paneel. Ghiberti se invloed is duidelik in die oop uitsig van 'n binnekamer en die diskrete groepe figure wat oor die komposisie versprei is, wat elkeen 'n ander deel van die verhaal vertel.


MAAK DIE Hekke VAN PARADYS
Gedurende die Renaissance was brons baie duurder as marmer, en dit het in 'n era aansienlike tegniese probleme opgelewer voor industriële giet. Ghiberti het die Hekke van die Paradys met behulp van 'n tegniek bekend as verlore-was giet. Nadat hy tekeninge en sketsmodelle in klei of was gemaak het, het hy volskaalse, gedetailleerde wasvoorstellings van elke komponent van die reliëfs opgestel. (Sommige wetenskaplikes en geleerdes meen dat hy sy reliëfs direk in was gemodelleer het, ander stel voor dat hy 'n aanvanklike model in 'n ander materiaal gemaak het en dan 'n indirekte wasgiet gemaak het.) Toe Ghiberti en sy assistente 'n model voltooi het, het hulle wasstawe in vertakkingspatrone bygevoeg na sy rug. Die hele reliëf is daarna bedek met 'n vuurbestande materiaal soos klei en verhit totdat die was gesmelt het en 'n hol vorm gelaat het. Die spasies wat deur die stawe beset is, het gedien as takke (kanale) waardeur brons die oppervlak van die reliëf bereik het. Die sprude is na die gietstukke van die reliëwe afgesny, maar die oorblyfsels daarvan is nog steeds aan die agterkant van elke paneel sigbaar.

Ghiberti se werk was slegs halfklaar toe hy die brons uit hul vorm neem. Hy moes nog steeds die tydrowende en vervelige werk van jaag voltooi-dit wil sê hamer, sny, sny en poleer die reliëfs. Deur sy opleiding as goudsmid te gebruik, het hy sy talle assistente gelei in die skoonmaak en verbetering van besonderhede op die oppervlak van die metaal.

Ghiberti het 'n bronslegering gebruik wat ietwat moeiliker was om te giet as ander brons van die tydperk, maar ook baie ontvanklik was vir vergulding. Hy meng goudstof met kwik en verf die mengsel oor die voorkant van elke reliëf. Sommige van sy kwashale is nog steeds sigbaar, maar meestal het hy daarin geslaag om 'n gladde, helder oppervlak te skep wat lug en atmosfeer aandui. Om die goud aan die brons te laat kleef, het Ghiberti elke reliëf verhit om die kwik af te brand, en slegs die goud in plek gelaat. Dit was 'n giftige en gevaarlike proses wat nie meer gebruik word nie.


SYFERS EN HOOFDE VAN PROFETE
Die verhalende panele van die Hekke van die Paradys word omskryf deur 'n reeks van 20 profete in nisse afwisselend met 24 uitstaande koppe. Die staande figure, soos Herstelde figuur van 'n profeet in nis verteenwoordig Ou -Testamentiese profete, heldinne en sibiele, wat algemeen die eer was om die geboorte van Christus te voorspel. Die koppe beeld ook profete uit, soos in Die kop van die profeet herstel maar dit bevat ook portrette van Ghiberti en sy seun Vittorio, wat die gesinswerkswinkel na die dood van sy vader voortgesit het. Die elemente van die deurraam versterk die hooftemas van die verhalende panele en dien as nog 'n voorbeeld van Ghiberti se artistieke vindingrykheid. Die uitstalling toon twee koppe en twee profete wat uit die raam geneem is. Die een stel is skoongemaak, die ander nie. Die kontras tussen elke stel toon veel beter as woorde die impak van bewaring om die duidelikheid en detail van Ghiberti se meesterstuk te herstel.


BEWARING
Voor bewaring het die vergulde oppervlaktes van die Hekke van die Paradys was bedek met ontsierende en skadelike besware, soos gesien in die onbehandelde panele wat in die uitstalling te sien was. Bars en skrape in die goud laat besoedelstowwe ook toe tussen die vergulding en die brons. Die gevolglike opeenhoping van humiditeit en soute agter die vergulding het 'n reaksie veroorsaak wat veroorsaak dat dit borrel en die integriteit van die hele oppervlak in gevaar stel.

Bewaringswerk het begin met ses reliëfpanele wat van die deure afgedwing is toe die Arno -rivier Florence op 4 November 1966 oorstroom het. Hierdie panele is in 'n oplossing van Rochelle -soute en gedistilleerde water gedoop, wat al die oppervlaktes oplos. Bewaring is daarna uitgebrei tot die oorblywende verligting, hoewel dit vyf jaar geneem het om hulle uit hul sierraamwerk te verwyder. Die hele raam is uiteindelik in 1990 uit die doopkapel verwyder, toe 'n moderne kopie van die Hekke van die Paradys geïnstalleer is. Sedertdien het lasertegnologie wetenskaplikes en bewaarders die geleentheid gebied om 'n revolusionêre nuwe skoonmaaktegniek vir die oorblywende panele te ontwikkel, 'n proses wat geïllustreer word in 'n video wat die uitstalling begelei.


Naslaanboeke oor vroeë Korea

Woordeboek van Koreaanse kuns en argeologie
Roderick Whitfield (Hoofredakteur)
Hollym, 2004

352 pp. 110 mm X 182 mm, sagteband.
ISBN: 1-56591-201-2

Hierdie publikasie poog om 'n breër begrip van die Koreaanse kultuur en kunste onder buitelanders met 'n belangstelling in die kulturele nalatenskap van Korea te bevorder, en om wetenskaplike navorsing te ondersteun deur Engelse definisies en verduidelikings van terminologie wat vir kulturele artefakte gebruik word, te verstrek. Die 2 824 inskrywings in hierdie woordeboek word in vier hoofkategorieë ingedeel: argeologie, argitektuur, kunsgeskiedenis en folklore. Hulle word gelys in Koreaanse alfabetiese volgorde, sonder die indeling van velde.

Early Korea Project, CGIS South Building Room S224, Cambridge Street 1730, Cambridge, MA 02138.
Telefoon: (617) 496-3403. Faks: (617) 495-9976.


Patroon

  • 1ste. Sentreer Lotus
  • 2de. 6 Spiraalpatroon van drake
  • 3de. Skyfpatroon
  • 4rh. Palmette
  • 5de. Vlamme en 'n toring

Lotus en 6 jakkalse

Spieël en formaat van stralekrans

Palet

Japanse antieke kunste uit die 7-8de eeu gebruik dikwels palette, maar dit is 'n streng en ongeëwenaarde patroon. Alhoewel palette 'n hellenistiese oorsprong het, het hulle moontlik direk vanaf die Koreaanse skiereiland gereis. Hierdie fresco van Kogryo (Noord -Korea) (ongeveer 600 n.C.) het die naaste palmbome. Dit is die eerste graf van Nai-li naby Pyongyang. Dit is meer soortgelyk as baie Chinese klipgrasversieringspalette.

Hedendaagse soortgelyke stralekrans

Tower en Lotus Sutra

Bo -aan die 5de band is 'n toring/paviljoen met 3 pale gegraveer. Daar is nog 'n paar voorbeelde van hierdie vreemde toring. Figuur regs is 'n bronsreliëfplaat in die Hase-dera-tempel in Nara, Japan. Dit is gedateer in AD 686. Hoogte 91 cm. Dit is 'n toneel in hoofstuk 12 van Lotus Sutra (Suddharma Pundharika Sutra). 'N Toring het van die aarde af verskyn en 'n antieke Boeddha (wat ver voor die ware Boeddha geleer het) bewonder die moderne Boeddha vanaf die toring. Aangesien hierdie dramatiese toneel baie gewild onder chineses is, is baie toringbeelde gemaak.

So 'n toring word ook gesien in die 6de grot van die Yung Kang -grot (5de eeu nC). Hierdie reliëfs is identies aan die bronsplaat. In die Norten Wei -periode het baie klein vergulde bronsbeelde oorleef, met 'n toring met Boeddha -beelde. Op hierdie voorbeelde dink ek dat die toringbeeld van die stralekrans 'n toring in Lotus Sutra moet wees.

Vlamme in Halo

5de band verteenwoordig 'n sterk en ritmiese vlampatroon. Die voormalige vergulde brons -stralekrans hou daarvan, maar dit is skerper.
Ek toon twee voorbeelde van vlampatroon in die 5-6de eeu, China. Hierdie vergulde bronsbeeld (Fig.13) Verw. was tot 1987 in Japan en is 44 cm in die Taipei National Museum. ongeveer AD 480-490. Een van die tipiese meesterwerke van 'n vergulde bronsbeeld van Nothen Wei. Hierdie raampatroon is sterk genoeg om by die hout -stralekrans te pas, maar sy styl is anders. 'N Bietjie reghoekig. Ander klein vergulde bronsbeeld (figuur 14) is in die Tokyo National Museum. Dit is 'n Avalokitisvara gedateer na 542 nC. Eastern Wei -dinastie. Hierdie krulvlampatroon hou van die 5de band. Dit is 'n rede dat 542 nC die begin van die sewende eeu nader was toe die Ho-ryu-ji-standbeeld gemaak moes word.

Betekenis van vlampatroon Halo in die 5-7de eeu.

Vlampatroon kom voor in stralekrale uit die Boeddhistiese beelde in die 5de-8ste eeu in China. Die Horyu-ji-stralekrans ondersteun hierdie neiging. Die Northen Wei vergulde bronsbeeld is 'n tipiese voorbeeld.

Bedoel hulle eintlik vuurvlam? Dit is vreemd dat die heilige beeld in vuur is. Godhede wat woede en mag voorstel, het inderdaad na die 8ste eeu 'n vuurvlam gehad, maar dit is ook aansienlik, maar stil en meditatiewe beelde is ook aan die brand.

Ek wil 'n hipotese stel. Ek veronderstel dat dit 'n emanutio/ontploffing van energie kan wees wat ou Chinese 'Ki' genoem het en as wolkpatrone voorgestel het. Voor die 3de --- v.C. 4de eeu, vergesel Chinese ou gode dikwels hierdie energiewolk. Byvoorbeeld, hierdie skildery op die deksel van 'n brons wynhouer. Dit toon 'n heilige voël in energieke wolk. Hierdie konsep het in die 5-8de eeu Chinees natuurlik gevoel dat heilige beelde energievlamme uitstraal.

'N Gandahra -beeldhouwerk in Musee Guimet, Parys, spuit vlamme opwaarts en water afwaarts. So 'n ikoon was moontlik 'n aanleiding tot die teken van 'n raampatroon in 'n stralekrans, maar dit is nie die rede waarom dit baie gewild geraak het in die sjinese 5-8de eeu nie. Boonop is vlambeelde in halo skaars in Indië.


IN FOTO'S: Miss Universe kroon deur die jare

Op Maandag 30 Januarie word 'n baie gelukkige vrou in die Mall of Asia Arena in Manila gekroon as die 65ste Mej. Heelal. Sy sal die pos wat Miss Universe 2015 Pia Wurtzbach die afgelope jaar met selfvertroue vervul het, oorneem. Een van die voordele is die voorreg om die gesogte Miss Universe -kroon te dra.

Die keiserlike huwelikskroon van Romanov

Sedert die optrede in 1952 begin is, is daar 9 verskillende krone wat die skoonheidskoningin gedra het. Die heel eerste Miss Universe -kroon wat gebruik is, was eintlik van koninklikes. Die Romanov Imperial huwelikskroon wat voorheen in besit was van 'n Russiese tsaar is gebruik toe Armi Kuusela van Finland gewen het. Dit word vermoedelik gemaak met ongeveer 1 535 foutlose diamante. Ironies genoeg is 'n huwelikskroon gebruik om 'n "Mej."

EERSTE MIS UNIVERSE. Finland en Armi Kuusela was Mej. Heelal 1952

Foto van Miss Universe Organization

Die kroon van Metaalbrons

MISS UNIVERSE 1953. Frankryk 's Christiane Martel poseer saam met regter Jeff Chandler.

Foto van Miss Universe Organization

Die volgende jaar is die Miss Universe -kroon vervang deur 'n metaalbrons. Frankryk se Christiane Martel het Miss Universe 1953 geword en was die enigste wenner wat hierdie ontwerp ooit gedra het. It is probably the most unusual of all the crowns because it featured a very solid design and did not feature crystals or rhinestones unlike the other crowns.

Star of the Universe

Miriam Stevenson, Miss USA 1954, from South Carolina, was the first Miss USA to become Miss Universe. She was also the first titleholder to obtain a college degree while holding the title.

Photo from Miss Universe Organization

From 1954 to 1960, the design known as the Star of the Universe became the Miss Universe crown. It "consisted of approximately 1,000 Oriental cultured and black pearls set in solid gold and platinum," with a weight of 1.25 pounds. It is said to be valued at $500,000.

The rhinestone crown

MISS UNIVERSE 1961. Marlene Schmidt, the first Miss Universe from Germany, won her title in Miami Beach, Florida

Photo from Miss Universe Organization

MISS UNIVERSE 1962. Argentina's Norma Nolan poses for an official photo. Each Miss Universe will be featured in thousands of photos during her reign and will sign just as many autographs.

Photo from Miss Universe Organization

In 1961, the Miss Universe Organization wanted to have a special crown to commemorate its 10th anniversary. It was the first time that a rhinestone crown was introduced and Marlene Schmidt of Germany won. Marlene and her successor, Argentina's Norma Nolan, became the only two winners with the distinction of wearing the rhinestone crown.

The Sarah Coventry crown

MISS UNIVERSE 1963. Brazil's Ieda Maria Vargas takes her walk after winning the title.

Photo from Miss Universe Organization

The year 1963 ushered in the pageant's most famous crown – the one designed by renowned jewelry maker Sarah Coventry. Ieda Maria Vargas of Brazil, Miss Universe 1963, had the privilege of being the first winner to use this crown. The Philippines' Gloria Diaz, Miss Universe 1969, also wore this during her reign. The last winner to wear the Sarah Coventry crown was Miss Universe 2001, Denise Quiñones of Puerto Rico.

Many pageant fans were very upset upon finding out that the much-loved crown would be replaced. It ended the era of tradition and ushered in the crown sponsorship years and more frequent crown changes.

MUCH-LOVED CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones wearing the Sarah Coventry crown.

Photo from Miss Universe Organization

The Mikimoto Crown

Below is a photo of Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowning Miss Universe 2002 Oxana Federova. This picture clearly shows the two different crowns. It would be very rare to see this in future pageants because the outgoing queen no longer wears her crown during the crowning moment.

NEW CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowns 24-year-old Oxana Fedorova, of Russia, as Miss Universe 2002.

Photo from Miss Universe Organization

"The Miss Universe crown used from 2002–2007 was designed by Mikimoto, the official jewelry sponsor of the Miss Universe Organization, and depicted the phoenix rising, signifying status, power, and beauty. The crown has 500 diamonds of almost 30 carats (6.0 g), 120 South Sea and Akoya pearls, ranging in size from 3 to 18 mm diameter and is valued at $250,000. The Crown was designed specifically for the pageant on Mikimoto Pearl Island in Japan with the Mikimoto crown and tiara being first used for Miss Universe 2002. The crown has an accompaniment of a tiara which will be given to the winner after her reign."

Although the crown was very beautifully designed, some pageant fans were quick to speculate that switching to it brought bad luck. Several months after being crowned with the new Mikimoto crown, Federova became the first Miss Universe titleholder to be dethroned.


A brief guide to buttons

We often dismiss buttons as a clothing sideshow – the work horses of the accessories world. But early buttons were in fact more akin to jewellery than the modern-day fastenings we’re familiar with.

At 5,000 years old, an ornamental button made from shell, and found in Pakistan is currently considered to be the oldest button in existence. Other early buttons were made out of materials including bone, horn, bronze and wood.

Later, buttons took on more practical duties. In ancient Rome buttons were used to secure clothes, some having to support reams of fabric at a single point. But they were still a far cry from the slim, functional buttons you’re familiar with on your shirts and suits.

The Middle Ages: the invention of buttonholes

Image source: Shutterstock
Buttonholes didn’t make their first appearance until the 13th century

Buttons being used as clothing fasteners continued for centuries. But it wasn’t until the 13th century that proper buttonholes were being sewn into clothes, and with them, new possibilities for clothing arose.

Buttons with actual buttonholes rather than looser toggles meant that clothes could have a much more form-fitting shape.

For all their prominence, buttons were still largely the privilege of the wealthy during this period. In the medieval era, buttons meant serious wealth – for both the wearer and the maker.

Many buttons were made with precious metals and costly fabrics, and as Slate points out, this era was

a time when you could pay off a debt by plucking a precious button from your suit.”

Towards the Renaissance, some larger buttons took on additional functions they were used to hide keepsakes and stolen booty in small hidden chambers.

Industriële rewolusie

Image source: Hugh McCormick Smith / Public domain
The inside of a busy button factory around the turn of the 19th century.

Of course, the less wealthy had buttons, too. These tended to be crudely made at home, until the Industrial Revolution, which ushered in the democratisation of buttons.

Around this time, the flat, four-holed button that we’re all familiar with emerged. Although the materials used have developed and the process refined since then it is still essentially the same button. This period also saw a rise in popularity for brass buttons on both military and civilian clothing.

The most popular buttons of the later half of the 19th century were made of black glass an imitation of Queen Victoria’s habit of wearing black buttons following the death of Prince Albert. With her loyal subjects adopting her style, black glass fasteners became the most widespread variety of the 19th century.

Modern Buttons

Image source: Grey Fox
Leather buttons – sometimes called “football buttons” after old-school leather footballs.

20th century designers and fashionistas flipped the original decorative use of buttons on its head: they became working accessories. Mass-production and materials like plastic made them prevalent, despite the invention of zipper.

That doesn’t mean modern buttons can’t still pack a decorative punch. Advances in technology mean that teddy bear-shaped buttons for children’s clothes can be as easily made as more conservative, stylish buttons for a suit.

Today, buttons are, once again, a good indicator of quality clothing. With more choice on the market, traditional buttons are making a resurgence. As Permanent Style notes:

“English tailors prefer matte, horn buttons… The natural materials are, of course, also associated with better suits.”

Another button-based sign of distinction is a jacket sleeve with working cuff buttons, as seen on our own classic tweed jacket.

There are even rules about buttons there’s a rule relating to the correct way to button a suit jacket, for example. Edward VII was a portly king who couldn’t close his jacket all the way and Real Men Real Style explains:

“…as a result always left the bottom button undone. His subjects (either out of respect or fear), followed suit. The trend of leaving the bottom button undone caught on.”

Buttons as symbols

While ornate buttons aren’t the sole preserve of kings and aristocrats any more, they still serve as symbols of rank on military dress. Military expert, Kelly Badge, points out:

“buttons are as varied as cap badges. Each unit has its own unique regimental button, often with a crest and sometimes a crown,”

Such buttons can have meaning well beyond power and status. During World War II, a British soldier encountered a 12-year-old Jewish boy and his family fleeing from the Nazis. He pulled a button off his greatcoat to give the boy and advised them to go south through France, rather than towards Dunkirk.

The family eventually made their way to America where the button now sits in the collection of the United States Holocaust Memorial Museum.

Buttons have proven to be firmly fastened to the fabric of human society – at least the past five thousand years of it. Even with the development of zippers, poppers and velcro, buttons are still the fastening of choice for people the world over.

If you’ve still got burning button questions, check out our buttons infographic!

So are you a button man, or do you prefer the simplicity of the zip? Do you have any old buttons knocking around – perhaps some historical military ones? Share them with us on our Facebook page.


The 6,000-year-old Crown found in Dead Sea Cave

The oldest known crown in the world, which was famously discovered in 1961 as part of the Nahal Mishmar Hoard, along with numerous other treasured artifacts, was recently revealed in New York University's Institute for the Study of the Ancient World as part of the 'Masters of Fire: Copper Age Art from Israel' exhibit.

The ancient crown dates back to the Copper Age between 4000–3500 BC, and is just one out of more than 400 artifacts that were recovered in a cave in the Judean Desert near the Dead Sea more than half a century ago. The crown is shaped like a thick ring and features vultures and doors protruding from the top. It is believed that it played a part in burial ceremonies for people of importance at the time.

New York University wrote: “An object of enormous power and prestige, the blackened, raggedly cast copper crown from the Nahal Mishmar Hoard greets the visitor to Masters of Fire. The enigmatic protuberances along its rim of vultures and building façades with squarish apertures, and its cylindrical shape, suggest links to the burial practices of the time.”

The Nahal Mishmar Hoard was found by archaeologist Pessah Bar-Adon hidden in a natural crevice and wrapped in a straw mat in a cave on the northern side of Nahal Mishmar, which became known as the ‘Cave of Treasures’. The 442 prized artifacts made from copper, bronze, ivory, and stone, include 240 mace heads, 100 sceptres, 5 crowns, powder horns, tools and weapons.

Some of the items from the Nahal Mishmar Hoard. Credit: John Bedell.

Carbon-14 dating of the reed mat in which the objects were wrapped suggests that it dates to at least 3500 B.C. It was in this period that the use of copper became widespread throughout the Levant, attesting to considerable technological developments that parallel major social advances in the region.

Some of these objects are like nothing ever seen anywhere else. The round knobs are usually said to be mace heads, but there is no evidence that any of them were ever used in combat. The remaining objects are even more unusual and unique in style, such as the bronze sceptre depicted below.

Bronze sceptre from the Nahal Mishmar Hoard. Displayed at the Hecht Museum in Haifa. Credit: John Bedell.

The objects in the Nahal Mishmar hoard appear to have been hurriedly collected, leading to the suggestions that the artifacts were the sacred treasures belonging to the abandoned Chalcolithic Temple of Ein Gedi, some twelve kilometres away, which may have been hidden in the cave during a time of emergency.

Chalcolithic Temple above modern Kibbutz Ein Gedi. Fotokrediet: Wikipedia

Daniel Master, Professor of Archaeology at Wheaton College and a member of the curatorial team, said: “The fascinating thing about this period is that a burst of innovation defined the technologies of the ancient world for thousands of years.”

Jennifer Chi, ISAW Exhibitions Director and Chief Curator, added: “To the modern eye, it's stunning to see how these groups of people, already mastering so many new social systems and technologies, still had the ability to create objects of enduring artistic interest.”

The purpose and origin of the hoard remains a mystery.

Featured image: The oldest crown in the world, found in the Nahal Mishmar Hoard. ( Wikimedia).


How to Tell Fake Bronze in Sculptures

Ancient bronze sculptures and statuary are often worth large sums of money -- and wherever there's money, there's crime. An industry of forgery has sprung up to take advantage of the profits that can be reaped from selling fake bronze statues. Often made of resin or less valuable metals, fake bronzes will usually be given an artificial patina, imitating the genuine effect of aging on the surface of the metal. If you know what to look for, however, you can usually tell a fake from the real deal simply by using your powers of observation.

Check the price tag. If the statue looks like a steal, it probably is -- but you're the victim. Suspiciously low prices are often an indicator of shifty business.

Examine the craftsmanship. Many imitation bronzes feature shoddy detail work and generally appear to be of secondary quality when looked at closely. If the artwork is subpar, the chances of the sculpture being a fake are significantly higher, not to mention the fact that you're probably being charged more than the item is worth.

Look at the patina on the surface of the statue. Bronze develops an uneven brown and greenish hue over time that is most noticeable on ancient works that have been excavated. Forgeries often try to mimic this, but usually the results are less than convincing. Many fakes give the skin of the subject a uniform brown coloring, with the clothing taking on a more green hue. No genuine bronze will look like that.

Tap the sculpture to see whether it is made of genuine metal. A resin imitation sounds noticeably different from a real bronze statue. If you're still unsure, hold a lit match to the surface of the statue for several seconds. A bronze will show no visible changes, but a resin will immediately begin to bubble, giving itself away.


Kyk die video: Review Orient King Diver RN-AA0D14G. Its Japan limited edition 1000 pcs!